Arte conceptual de ‘Sucker Punch’, lo nuevo de Zack Snyder

Durante el Comic Con en el panel de ‘Watchmen’ algunos de los asistentes obtuvieron unas increíbles camisetas con arte conceptual de ‘Sucker Punch‘, la nueva película de Zack Syder, la cual ha llamado la atención desde un inicio no solo porque es su primer proyecto basado en una idea propia, sino porque ha sido descrito como “Alicia en el País de las maravillas con ametralladoras”, lo cual si empezamos a pensar en el estilo visual de este director y lo complementan con un elenco de hermosas mujeres, sin duda dará mucho de que hablar. Mientras tanto pueden ver el primer arte conceptual junto al logo de la película.

La historia se sitúa en 1950 donde una jovenes confinada a una institución mental por su malvado padrastro, quien intentará realizarle una lobotomía en 5 días. Mientas se encuentra encerrada ella imaginará una realidad alternativa que le servirá para esconderse de su dolor. Dentro de este mundo de fantasía ella necesitará robar cinco objetos que le servirán de ayuda para escapar antes de que su virginidad sea arrebatada por un vil hombre.

arte conceptual con los thundercats

Increíble arte conceptual de la película ‘ThunderCats’


Como alguien que creció en los años 80 además de series como ‘Transformers’ y ‘G.I. Joe’, una de las que más me gustaba fue ‘ThunderCats‘ por lo que al escuchar el anuncio de Warner Bros. sobre la película de esta serie realmente me emocioné mucho y más aún cuando indicaron que esta sería animada ya que sin duda el debutante director Jerry O’Flaherty (director de arte de video juegos ‘Gears of War’, ‘Unreal Tournament 3? y ‘Command and Conquer) tendría mucha más libertad para desarrollar esta espectacular historia cuyo guión está siendo escrito por Paul Sopocy, quien se centrará en el origen de Lion-O, desde un joven felino hasta convertirse en el líder de los ThunderCats.
Mientras avanza esta película desde el Comic Con se presentó un nuevo arte conceptual el cual demuestra que se están tomando el asunto muy en serio ya que Lion-O realmente se ve como un temible guerrero, así como también se puede ver algunos impresionantes ideas para La Pirámide, el Tercer Planeta (Third Earth) y un ataque mutante.

La muestra colectiva está compuesta por técnicas tradicionales y no convencionales

El pabellón de cristal del Centro Cultural Itchimbía abrió sus puertas para recibir a "Otro arte en el Ecuador".

Para exhibir esta muestra se convocó a 100 artistas, de los cuales 40 fueron seleccionados para participar con modalidades como: arte objeto, arte conceptual, performance (arte en acción) y videoarte.

Para muchos de los visitantes, la exposición no exhibe lo que esperaban ver, sin embargo más de 1 700 personas acudieron en la primera semana de muestra. "Es un poco extraño para mí asimilar lo que quieren decir los artistas, cada pieza tiene algo que la hace ser única, además da un mensaje que a veces no es tan claro, pero igual válido", comentó Andrea Aravena.

El Pabellón de Cristal del Itchimbía con la muestra tiene un aspecto caleidoscópico y estimulante para la reflexión y el deleite estético e intelectual. Sorprende el escaso número de cuadros tanto como el impacto de un gran vitral, la finura metafórica de enormes textiles, las ironías sobre el poder, el drama de los que se van y de los que se quedan. La admiración se centra en la fabulación de los pequeños objetos recreados, des-funcionalizados y alterados en su esencia significante. La ironía esta presente en algunas propuestas y también la poetización de las trivialidades mundanas.

Un arte de familiaSu producción artística se arma en casa y en familia, y ha logrado situarse con reconocimientos en los diferentes salones y festivales del país. Se trata de los hermanos Gavilanes Sellán, dos jóvenes estudiantes de arte que imprimen un sello personal a sus obras.
Pedro tiene 25 años, es alumno de segundo año de Artes Visuales (con mención en Medios Digitales) del Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE). Su vocación la descubrió en el colegio de Bellas Artes, al que entró por curiosidad. Hasta entonces no tenía una meta trazada en ese sentido ni era un dibujante aficionado. Incluso, confiesa él, no tenía habilidad para dibujar.
La forjó en clases, le gustó y decidió hacer del arte una profesión. Al salir del colegio empezó a concebir sus primeras obras y a inscribirse en festivales. Comenzó a estudiar Diseño Gráfico en la Espol, pero por falta de recursos dejó la carrera. Luego consiguió una beca y llegó al ITAE. Su formación, dice, le ha ayudado en su producción actual.
Con su obra Cortes informales (que presenta escenas cotidianas plasmadas en tablas de picar) ganó el primer lugar en el género pintura del V Festival de Artes en Presencia y al Aire Libre (FAAL), que organiza el Municipio de Guayaquil.

arte urbana

Desde mitad de los años ’90, varios grupos y experiencias van apareciendo en la escena urbana y de a poco van entretejiendo relaciones y pensares y, al mismo tiempo, acciones concretas. Este aparecer mostró su potencia más amplia en la construcción de los escraches.Desde nuestros inicios buscábamos crear relaciones con otros colectivos. Al principio, lo hicimos en el ámbito artístico, en el cual nos habíamos formado y creado como grupo, pero su frialdad nos hizo sentir rápidamente muy ajenas. No encontrábamos allí eco a nuestras preguntas.Nuestro pensar desde las imágenes como política concreta nos vincula directamente con la agrupación H.I.J.O.S., donde la novedosa construcción de justicia aglutinaba a varios jóvenes provenientes de diversos lugares que no se sentían representados en la clásica forma de hacer política.Esto significó, para muchos, experimentar el tránsito del hacer individual al hacer colectivo y la calle como escenario de esas prácticas creativas. Este trabajo conjunto se practicaba sin considerar demasiado las especificidades “artísticas” o “políticas”: sentíamos que era necesario que así sea. Desde los lenguajes, metodologías o técnicas utilizadas intuíamos que todo lo producido irrumpía en el espacio urbano de una manera que podía modificar al que se interpusiese en ese camino.

Arte conceptual, instalaciones, ruido y música
El Decanato de Estudios Generales realizó la clase abierta “Arte conceptual, instalaciones, ruido y música” el martes 27 de junio, enmarcada en el curso “Fundamentos de la Música” CSY621 del Prof. Miguel Noya y contando como invitado al prestigioso y reconocido artista plástico Carlos Zerpa quién es egresado del Instituto de Diseño de Milán, especializado en pintura, instalaciones, performance art y ensamblajes. Zerpa tiene, además, una amplia experiencia en el campo de las artes visuales en el país y en el exterior.
En esta clase el invitado llevó a la audiencia a través del mundo de los vestuarios y objetos relacionándolos con el mundo de la música extrema vinculada al ruido y el rock, interrelacionando su trabajo con el de creadores al margen del comercio y sus influencias en la cultura de finales del siglo XX y comienzo del siglo XXI.¿Quién es Carlos Zerpa?Nació en Valencia, Venezuela el 31 de Julio de 1950.Estudió: Diseño Visual en el Instituto Politécnico de Diseño en Milán – Italia, Técnicas Gráficas en The Arts Students League of New York (U.S.A.) Diseño Artesanal en el I.D.E.C. – O.E.A. en Bogotá –Colombia.Da clases y seminarios de arte NO convencional (Performance Art, Instalaciones, Ensamblajes, Body art, Arte Sonoro, etc.) en: El Centro de Humanidades de Baja California en Tijuana México. La Escuela de Diseño “Gestalt” en Xalapa Veracruz, México. La Universidad Autónoma Metropolitana Azcapotzalco de México DF.Da seminarios y es el tutor dentro del área de Performance Art para la REDLAP, la red de Performances de América Latina en Bolivia, Ecuador, Argentina y Chile.Escribe para la revista internacional de artes marciales: Budo Internacional -Cinturón Negro.Estudió Karate Do Shotokan y Kickboxing con el Sensei Eugen Ossott Artes Marciales chinas con el Sifu Daniel Medvedov.

comic

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Busquen el nombre MacDonald "Mac" Gargan en Wikipedia, y éste aparecerá como el tercer Spider-Man.
Por mucho que esto erize la piel a más de un fanático del arácnido, esto es una hecho, en el Universo Marvel: Mac Gargan -con todo y su simbiote Venom- es Spider-Man.
Así, si bien Gargan no protagonizará "Amazing Spider-Man", si contará con un título propio, a partir de junio próximo: "Dark Reign: The Sinister Spider-Man", una miniserie de cuatro episodios, con guión de Brian Reed, creador de Ms. Marvel.
"Por cuanto respecta al Universo Marvel, el Spider-Man en la torre de los Avengers es Spider-Man", declaró Reed. "Ellos no saben nada acerca de Peter Parker, Mac Gargan, ni nada de eso. Y este libro se enfoca justamente en Mac Gargan como Spider-Man".
"El villano es la estrella de la serie. Y no estamos bromeando. No es como en los '90s, cuando Venom tuvo su propio título, y de pronto se convirtió en un superhéroe. Aquí, se trata del villano. Chris Bachalo, quien se encarga del arte, leyó el guión y afirmó: 'No hay absolutamente nada que redima a este personaje'", dice Reed, entre risas.

La rebeldía del arte de Eudoxia Estrella en la Casa de la Cultura

La rebeldía es lo que la ha inspirado a pintar sus cuadros en sus cerca de 40 años de trayectoria. Lo dice porque indica que no sigue el arte conceptual, al que se refiere como el tipo de arte que expresa una idea.

Aclara que no está en contra de lo conceptual, siempre que muestre algo verdadero y tenga ética, estética y responsabilidad. “Lo que no he sido es borrego en esto ni siquiera sigo la moda de vestir. Creo que todos debemos ser rebeldes porque sino no evolucionaremos”.

Así describe lo que representa el arte la pintora cuencana Eudoxia Estrella.

La artista plástica inauguró el jueves en la noche una exposición en la pinacoteca Manuel Rendón, de la Casa de la Cultura del Guayas.

Allí exhibe alrededor de 45 cuadros, cuyas medidas van desde 47x63 centímetros hasta 75x106 cm, que tienen como principales protagonistas a los niños y la naturaleza.

toros de colores

La Corporación Metropolitana de Turismo de Quito, presenta “Arte Urbano 2008”, un proyecto de arte al aire libre, el cual muestra, por primera vez en la ciudad, la exhibición “Toros de Colores”. La exposición estará expuesta en varios lugares estratégicos de la conocida zona de la Mariscal del 15 de octubre al 16 de noviembre.

Son 30 esculturas de toros en tamaño real, realizadas en fibra de vidrio y pintadas por renombrados artistas ecuatorianos. Los artistas han plasmado sus vivencias, ideologías y sueños, que reflejan las diversas y ricas manifestaciones de nuestra cultura popular, en la figura iconográfica del toro.

"Toros de Colores" se inspira en el Cow Parade, un festival que nació en Suiza y que ha recorrido diversas ciudades del mundo.

concurso de pintura a niños

Guayaquil (Guayas).-Como parte de su programación de festejos por las fiestas Julianas la Gobernación del Guayas invitó a la ciudadanía a disfrutar del evento cultural pintura infantil “Guayaquil Suma”.

El evento se desarrollará este domingo 19 de julio de 2009, a las 15h30, en el Parque Seminario.

La propuesta está enfocada a que los niños trabajen sus ideas guiados por expertos de arte para definir lo que sería Guayaquil con una sociedad participativa, diversa e incluyente. Las categorías de los participantes son dos: niños 5 a 8 años que pintarán con crayolas; y niños de 8 a 12 años que pintarán con acuarela.

Para resaltar el ingenio de estos pequeños, todos los niños recibirán un diploma de participación en el concurso, una orden de comida de Burger King, un algodón de azúcar, una funda de churros y canguil.

ganador del salon de julio

El Salón de Julio-Pintura, Fundación de Guayaquil, a través del jurado designó este jueves 23 de julio, a las obras ganadoras, así como a las acreedoras a las menciones de honor, del concurso correspondiente a la presente convocatoria, que coincide con el aniversario 50 de esta instancia cultural. El primer premio corresponde a la obra “Confort y Lujos, Viva como un Rey”, del artista plástico Lenín Mera Constante. El segundo premio, al cuadro denominado “0,500 gl.” de la autoría de Pedro Gavilanes Sellán. El tercer premio a la obra “Pasado Mañana es Miércoles”, ejecutado por Janneth Méndez Salamea.

El Primer Premio corresponde a 1.500 dólares, el segundo a 1.000, y el tercero, a 500 dólares.

Las menciones de Honor recayeron en las siguientes obras y autores: “La documentación” de Juan Carlos León; “Cierre de Campaña” de Patricio Ponce Garaycoa; “Colgados, relatos y cuentos de un Santoral”, de Jacqueline Villamar de la Cruz;
“Jamón”, de Washington Guayasamín; “Bajo un sol africano”, de los hermanos Dario y Mario Álvarez Fuentes; “Incursión en el paisaje”, de Juan Caguana Reino; “Gregorio Tzanza Para Colorear”, de Jorge Velarde Cevallos; “Curadores”, de Billy Soto Chávez; “Cerro de oro” de Jairo Bustamante Larrea; “Suplantación de lavandera”, de Joel Ramírez Gallegos; “Bodegón XXI” de Teddy Cabrera Patiño; “Layers”, de Anthony Arrobo Vélez; y “Ensimismado”, de Juan Carlos Fernández.

El arte cuencana

Hace algún tiempo, el artista Hernán Pacurucu, catedrático y coordinador de la maestría de arte de la Universidad de Cuenca, presentó un proyecto a esa entidad educativa para investigar el arte cuencano contemporáneo. El proyecto fue aprobado y desde entonces se dedicó a bucear, sobre todo, la producción de los artistas emergentes. La conclusión a la que arribó es que se crea mucho, que hay una vitalidad artística, pero que ese arte permanece invisibilizado.

Pacurucu dice que en Cuenca no hay galerías privadas. La mayoría de los espacios son estatales, anota, y se dedican a exhibir arte moderno o a los artistas reconocidos, en tanto que los nuevos creadores y sus discursos permanecen ignorados.

Luego de estructurar un inventario de lo que se produce en la capital azuaya, Pacurucu eligió los trabajos que según su criterio encajaban en la temática en la cual él centró su trabajo: arte y política. Con estos armó dos exposiciones: Políticas al borde e Imaginarios de la barbarie, que desde hoy pueden verse en Guayaquil, en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC).

ganador de salon de julio

Tenía el nerviosismo feliz de lo inesperado, como si aún no lo creyera y no hubiera ordenado sus ideas. “Quisiera mejor, decir todo mañana”, fueron las primeras palabras de Lenin Mera Constante, de 30 años, quien se adjudicó ayer la quincuagésima edición del Salón de Julio, el concurso de pintura más importante de la ciudad, dotado de 10 mil dólares.

El artista manabita (residente desde los 4 años en Guayaquil), quien ya se ha hecho con primeros premios en varios concursos locales, salió de un salón adjunto del Museo Municipal, donde esperó hasta que el jurado proclamó los resultados.

La obra ganadora lleva un título irónico: “Confort y lujos, viva como un rey”. Son 84 latas de sardinas intervenidas pictóricamente con óleo y papel, en cuyo interior se pueden observar estampas de los barrios marginales de Durán y Guayaquil. Niños, ancianos, hombres y mujeres en color sepia, entre las casas de caña y el barro.

La titular del museo dice que para celebrar la edición 50 de la muestra habrá actos paralelos al salón, que abrirá su exposición el 24 de julio.

Para el artista cubano radicado en Guayaquil, Saidel Brito, el Salón de Julio es el evento artístico más importante de la ciudad. “No solo por su convocatoria nacional, sino porque en él se han cristalizado algunos de los exponentes de las artes visuales del país más interesantes de la segunda mitad del siglo XX”.

Sobre la nacionalidad de los integrantes del jurado y la posibilidad de que no entiendan el marco en el que se desarrollan las creaciones locales, Brito opina que “el arte por naturaleza debe ser un bien universal”, además refiere que en este asunto el director del certamen juega un papel fundamental.

Uno de los méritos de los ganadores, en opinión del cubano, debe ser una propuesta en la que converja la historia de la pintura local y latinoamericana con un lenguaje artístico pertinente.

El pabellón de cristal del Centro Cultural Itchimbía abrió sus puertas para recibir a "Otro arte en el Ecuador".

Para exhibir esta muestra se convocó a 100 artistas, de los cuales 40 fueron seleccionados para participar con modalidades como: arte objeto, arte conceptual, performance (arte en acción) y videoarte.

Para muchos de los visitantes, la exposición no exhibe lo que esperaban ver, sin embargo más de 1 700 personas acudieron en la primera semana de muestra. "Es un poco extraño para mí asimilar lo que quieren decir los artistas, cada pieza tiene algo que la hace ser única, además da un mensaje que a veces no es tan claro, pero igual válido", comentó Andrea Aravena.

TEODORO RODRIGUEZ MUÑOZ

Poco se conoce de las esculturas a gran escala emplazadas en la zona del austro, que pueden tener relación con los gravados del pueblo Nazca del Perú y de la cultura aborigen de California (EE.UU.). Pero la diferencia es su elaboración en tres dimensiones, como contexto de una ingeniería constructiva más compleja y avanzada.

Figuras gigantes emplazadas entre sí en un radio de escasos kilómetros, como un legado existente en parte de la zona del austro, en el que se encuentran perennizados y consagrados dioses (animales míticos), el origen y gran parte de la mitología del pueblo cañari, se han mantenido desapercibidos a través de los siglos, evidenciando a los cañaris, como grandes escultores de obras monumentales.

Esculturas y gravados

Una tortuga gigante, dos guacamayas y una serpiente, son los animales sagrados, tótems o dioses de la adoración de la cultura cañari, que se encuentran perennizados en grandes esculturas o gravados.

Jorge Porras

En su primera etapa, a Jorge Porras le obsesionó el mundo de los gatos. Nocturno, sensual, vagabundo, sibilino, el gato también nos remite al juego, a la maroma. El mundo de los gatos se tornó en su fascinación. Utilizando técnicas mixtas –siempre lo hará– presenta su muestra Án­ge­les, Más­ca­ras y Ga­tos, en 1995, en acuarelas, témperas y tintas. Pero los gatos fueron su hilo vertebrador: gatos alados, enmascarados, furtivos, distantes, sensitivos, insólitos peregrinos de tiempos inmemoriales. Desde los ritualismos egipcios, quizás y a partir de una confusa nostalgia muy suya, Porras los trajo a sus telas para que retocen por ellas: indolentes, tiernos, amorosos, fugitivos, listos a dar el zarpazo de la despedida. “Ahora desaparece mi escolta, de pie en la distancia; / La dulzura del número acaba de destruirse. / Adiós a todos vosotros, aliados míos, mis violentos, mis índices. / Os arrastra totalmente, tristeza obsequiosa. / Yo amo...”.

Y junto a los cuadros, Jorge Porras expuso sus miniaturas (en ellas bota las manchas, no se conflictúa, por ellas navegan espontáneas figuras y esplendores shamánicos, caballeros medievales, animales de mitologías oníricas, piezas, en fin, elaboradas por un coleccionista para coleccionistas). Y también sus máscaras –no como arte “décor”– sino como plasmación de una de sus vertientes intelectivas: todos los seres humanos somos, en esencia, una multiplicidad de máscaras; el objetivo: que nadie nos conozca, ni siquiera nosotros mismos, no tendríamos el valor de aceptarnos. Máscaras los rostros. Máscaras los gestos. Máscaras los sentimientos. Y para sus máscaras, Porras no compra materiales, los inventa resucitando objetos de los escombros: suelas de zapatos inservibles, tornillos, clavos, aldabillas enmohecidas. Y también sus botellas, que lucen desprendidas de alguna estantería de alquimista, –nuestro artista disfruta hasta el delirio de su oficio y brinca de un lado a otro con desenfado– llenas de agua y rematadas por esculturas mínimas que simulan formas humanas o górgolas o monstruos, sobre las cuales tiende un manto de tela estucada. Atrás, por visualizar un ejemplo, alas tramadas con hojas de eucalipto que se transfiguran en ángeles, pájaros o mariposas.

Darío Ortiz y su moderna antigüedad

Una obra que trasciende de lo estético, debida y técnicamente tratado por el creador, y se extiende hacia un diálogo con sensaciones y reflexiones, es lo que propone Darío Ortiz Robledo, pintor colombiano que, a edad temprana descubrió en el arte una voz, una invitación al diálogo con el público.

Quienes se detienen a admirar sus escenas encuentran en ellas ese toque de pasado y presente, de un moderno renacimiento.

Esto es lo que plantea el artista colombiano, uno de los pintores que estará presente en la muestra organizada por el aniversario del Museo de Arte Moderno de Cuenca.
Cuadros de gran formato en técnicas de óleo sobre lienzo, carboncillo y mixtas, hasta ayer eran montados sobre marcos por personal de museografía. El pintor los observaba con detenimiento y formaba parte de las escenas con las que también dialogaba.

La pintura desde 4 enfoques distintos

La realidad a través de la distorsión, la mímesis de las estampas urbanas, la soledad de una naturaleza agonizante y el onirismo de un mundo en verde.La exhibición es de autoría conjunta y reúne a cuatro artistas guayaquileños reconocidos en la bienal que organizó la misma institución el año pasado. Jimmy Lara, Wilson Quichimbo, Pedro Dávila y Jacqueline Villamar llevan al espectador por un camino misceláneo que explora distintas maneras de concebir el arte.

Lara aborda la alteración de las formas usando objetos como focos o elementos como el agua. Por eso su pintura es una realidad deformada por un efecto óptico, como en el óleo Pulsemos para continuar, díptico que le valió el primer lugar en la bienal. Ahí, el saludo de Bolívar y San Martín (La Rotonda) se ve difuminado detrás del cristal de una bombilla.Esta impresión es recurrente en todas sus obras, incluso en las que están en formatos menos tradicionales como Mal tiempo, óleo sobre paraguas. Lara menciona que en la exposición muestra una perspectiva urbana y personal que critica los esquemas de la regeneración urbana.

Washington Mosquera

En el corrillo de las artes visuales en relación al dibujo, generalmente se dice que si intervienen 2 tintas o más deja de ser dibujo y pasa a ser pintura.

Tamaña aseveración a acarreado especialmente a las juventudes a confundir estos 2 espacios nobles de las artes visuales.

En mi concepto, la pintura es mancha y forma pero controlada, profundamente meditada, elaborada.

Sentía que brotaban como por si solas las formas, las tintas parecían destilar de mis dedos, mis uñas como plumillas chatas rascaban las texturas emocionadas y vibrantes.

Me había metido en un expresionismo cálido, como desnudando "pasiones íntimas".

Después de tan brutal estallido, me encuentro en un nuevo itinerario, con la forma pausada y mi emoción latente; me dejo conducir complacido a una selva, de la que ya no veo la hoja, miro el bosque.

El arte, mi arte es un divertimento emocionante con el que juego como hijo único.

Félix Aráuz

Se inicia en la familia de los pintores guayaquileños, cuando era miembro de la escuela de bellas artes. Desde temprana edad, siente el deseo de pintar.

En 1967 viajo a los estados unidos becado por el gobierno norteamericano.

Con el maestro Aráuz, encontramos cuatro signos recurrentes en diferentes planos temporales: los infantes, los paisajes, los bodegones y los floreros,

Es un artista que siempre esta demostrando una gran sensibilidad y abertura de ideas, sin embargo, podemos notar que lo mas importante del pintor, no es su filiación a uno u otro movimiento.

Su arte adquiere cada día nuevo misterio, se torna mas natural, mas creativo, por medio del color y por medio de sus líneas, como lo demuestra en su obra, EL ARBOL MAGICO donde dentro de sus hojas encontramos, rostros, pájaros, pisajes.

Como algo encarnado en él, tenemos sus obras de rostros de niñas, donde el artista, plasmando toda su imaginación, fue agregando, flores, aves, pájaros sobre la cabeza en lugar de cabellos. Logrando hacer de estos cuadros un estilo único y creativo.

Carmen Gonzáles

Dueña de un arte pletórico de color, ternura, extraño y fresco onirismo; y una hacedora de rostros e imágenes donde una honda y apacible vida interior se refleja en ojos desmesurados, en actitudes melancólicas, en gestos simples que demasiado expresan.

Carmen Gonzáles, comienza su vida artística, a muy temprana edad, tratando, de plasmar en sus obras la riqueza de nuestra gente, y sus costumbres, arraigadas en sus raíces entre sus obras mas importantes podemos encontrar las niñas con esteras, la recolectora de papa, sus típicos fogones.

Sus obras las encontramos en diferentes partes del mundo, formando parte de colecciones particulares muy importantes (Japón, Suiza, Inglaterra, España, Caracas, Bogota)

Me costó años de investigación cuidadosa, agitadas noches de insomnio, además de caer en una maraña de incomprensiones y vicisitudes. Los libros de medicina guardaban hermético silencio. Los místicos se habían ido demasiado lejos y se diluían en extensas meditaciones. Fue en una de esas meditaciones que quedé absorto contemplando mi ombligo. Un simple pliego en espiral invertida, con un oscuro punto interior que subía, bajaba y se desdoblaba con lenta y deliciosa movilidad.
Mis ojos estaban atentos contemplando la oscilación y casi instantáneamente quedé hipnotizado, transportado a los dichosos días de mi vida uterina. Todo lo recibía entonces por el cordón umbilical: El amor, el afecto, el alimento. Era por ese oído alargado que percibía ritmos, latidos, pulsaciones. Me preguntaba ahora por qué aquellas funciones habrían de concluir abruptamente. Por qué habíamos reducido el ombligo a simple cosedura, a recuerdo inenarrable del tiempo en que nadie nos conocía, cuando aun no teníamos nombre ni apellido; a símbolo que no puedes borrar con un simple estropajo de baño.

El artista se inclina ­ es alto y erguido como un árbol intemporal­ para enseñarme el plato valdivia que en su reciente peregrinaje por la Costa descubrió. En sus manos grandes como zarpas ­ con ellas ha explorado el tiempo y el espacio­, indemnes a pesar de lidiar con acero, ácido, fuego, yace el plato, y el sol que es una araña centelleante, plantada en la mitad del austero comedor donde estamos, zarandea por la multitud de líneas que se entrelazan sin pausa tramando una celdilla perfecta (cuadrada) en el núcleo de la pieza que el maestro exhibe.
Sin advertirlo, los dos, regresando quizás a un perpetuo nacimiento, comparamos, una y otra vez, la similitud del cuadrado del plato valdivia con cualquiera de los lados de un hipercubo (Estuardo Maldonado está trabajando desde hace un tiempo en sus Serie de hipercubos), que cuelga de un hilo luminoso: cinco mil años de historia se refunden en un abrazo inexpresable en el más hondo silencio.

Fernando Ureña Rib

No se repite ni rompe con su pasado pictórico. Manteniendo un estilo y una imagen inconfundibles, el suma las etapas anteriores en un extraordinario enriquecimiento plástico. Una paleta exquisita "instrumenta" racimos de formas. Formas superpuestas, contiguas. Formas en evolución , configuradas dentro de una mayor o menor complejidad. Preeminentemente orgánicas, pero con un subyacente toque de geometría.Son espacios sicológicos, no solo físicos. El espectador es confrontado simultáneamente con imágenes que se funden en una continua superposición de imágenes fugaces que se mueven en la misma progresión musical del staccato y se produce en él el perturbador efecto de un proyector de películas de cine cuyas imágenes van quedando lentamente paralizadas.

OSWALDO VITERI

La propuesta fue rastrear a fondo en el mundo de Oswaldo Viteri (Ambato, 1931). Azar y reto. La obra de Viteri me había replegado a superponerla de conceptos, a mudarla o reducirla a travesuras irreverentes de mis pensamientos.
Ella fue cada día más drástica con la interacción humana que iba suscitando en mí. A ratos pasé a pertenecerle y, como es evidente, a soportar su opresión, como si se tratara de pagar el tributo ­o el castigo­ de conocerla en sus meandros más ocultos, esos que subyacen detrás del lenguaje pictórico cuando éste oscila en la raíz de lo excepcional y la eminencia. Creo que esto sobrevino porque la obra de Viteri es materia eterna en cuanto interpelación asombrosa de una realidad que es común a todos, y porque, especialmente en sus ensambles, no admite posturas medias.

La niñez, esa distancia

ArteAmericas'09

Saidel Brito, Alejandro Campins, Ariel Cusnir, Pablo Cardoso, Flavia Da Rin, Roberto Noboa

Los nuevos estímulos que definen el arte contemporáneo de Latinoamérica y el Caribe llenarán el Hall A del Miami Beach Convention Center, durante los cuatro días de la feria de arte latinoamericano de Miami, arteaméricas. En su séptima edición, del 27 al 30 de marzo, mostrará obras en todas las disciplinas posibles -pintura, escultura, arte conceptual, multimedia e instalaciones- de maestros y creadores conocidos, pero también las tendencias actuales del mundo del arte que abrigan los artistas latinoamericanos. arteaméricas 2009 será, especialmente, una plataforma para artistas jóvenes y emergentes a través de espacios especialmente curados para la ocasión.

ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual utiliza materiales como videos, fotografía y mapas, algunas veces es solo un conjunto de instrucciones documentados describiendo como crear una obra, pero sin llegar a su elaboración literal. Dejemos claro que la idea es la esencia, lo más imprescindible, no es el artefacto o el objeto físico que funge como representante en la obra.
El espectador es parte integral de esta tendencia porque necesita una mayor percepción de parte del mismo con su participación y en la acción. Sus propios puntos de vista abren el compás en cada obra, utilizando el lenguaje para comentarios, algunos de manera positiva o negativa acerca de los aspectos políticos y sociales en el que el artista quiere hacerle referencia.
El arte conceptual no fue aceptado en primera instancia, implico un proceso que logro implantarse adquiriendo reconocimiento, esta tendencia desencadenas otras formas artísticas como fluxus y el mail art. Lo interesante del arte conceptual es que obtiene rápidamente y con gran facilidad abarca a un significativo y amplio público.

Jorge Dávila Vázquez

Enrique Estuardo Álvarez es de esos pintores infatigables, inagotables y capaces de trabajar hasta en sueños. Su bello nuevo proyecto QUILAGO, parte de una evocación casi mítica: la de la mujer que debe asumir el liderazgo de su pueblo, en la ausencia definitiva de su compañero; la de la cacica de Cochasquí, que es el punto de referencia del inmenso conjunto de retratos de mujeres, que hoy colman el quehacer del artista.
Un resplandor de sol emana del personaje legendario y se vuelve arco iris de grandes dimensiones en esta exposición, que oscila entre el realismo conmovedor y el neo-expresionismo, agresivo y vital.
Álvarez tiene presente en la realización total de la muestra la idea de la pasión femenina, del valor, de la ternura, de la fuerza, pero, a veces también, de la desolación, la edad, los varios y diversos dolores de la vida humana, captándolos todos, con un extraordinario virtuosismo en la expresión de los personajes, a los que no solo va retratando, sino rindiendo un homenaje de artista y de ser humano, respetuoso y solidario.

JORGE ANTONIO E SILVA

Hay un clima de ausencia en la obra de Enrique Estuardo Álvarez. Es como sí sus personajes aguardaran por un momento epifáníco que les condujera a un encuentro festivo con lo sagrado, aunque todos se reconozcan profanadores de algún orden desconocido. Esa característica se extiende por toda la historia, teniendo el pasado en intento de diálogo con el presente; va por los medios de comunicación masivos; pasa por la ancestralidad indígena y llega al propio artista cuando se disloca como metáfora de sus representaciones. Otro elemento se hace presente en la densa iconografía del artista: la duda como método de descubiertas subjetivas que se renuevan a cada paseo de la mirada sobre sus cuadros de realidad disimulada. Es imposible ser indiferente a esos juegos de imágenes metonímicas que proponen indagaciones sin indicar una respuesta al fruidor. Este, delante de la implacable paleta de Álvarez invoca a la vacuidad de la condición humana, el extrañamiento de su propia realidad y la duda como principio de todo el conocimiento acerca del hombre. Hay un dialogo astuto hecho de simulaciones calculadas. Desesperadamente, en la espacialidad geométricamente determinada en escenario de rara belleza y monumentalidad, oro y oscuridad difusa, persiste un habla de decodificación personal entre el pasado y el presente, entre artista y obra, entre obra y espectador.

MARCO ANTONIO RODRÍGUE

Mucho tiempo (toda su juventud) pasó el gran artista pensando en un simple sello para firmar sus obras. Con algún logogrifo (enigma que resulta de una combinación arbitraria de las letras de cualquier palabra), o abarrotado de cruces diminutas, o de líneas que remitían a los quipos o simplemente vacío. ¿Miedo, timidez, humildad -de convicción por cierto, pues no hay asomo de pose en este artista- o un anhelo oculto de desconcertar al espectador no solo con los hondos y avasalladores sentidos de sus composiciones: óleos, dibujos, grabados, retablos, objetos, instalaciones, sino también dejándolas anónimas?

Por la memoria de Enrique Estuardo Álvarez rondan implacables conceptos de nuestros imagineros, quienes, a más de no abdicar de su cosmovisión ni de su religión (recuérdense sus vírgenes emplumadas, sus soles devenidos en Dios Padre, sus papagayos volando junto a ángeles), se mostraban reacios a firmar sus telas.

arte visual

Hace mucho tiempo en una galaxia muy lejana, la galaxia de la cultura visual - hará 10 años en nuestro calendario terrenal - surgió un producto de excelente factura, originario de España.
He tenido la oportunidad de poder hojear algunos de sus ejemplares, y cada vez que los encuentro mas interesantes.
No sólo es la apología a un contenido visual, sino que además es todo un paradigma que ha creado ruptura con la manera tradicional de ver y sentir las cosas.
Cada número es temático, y aunque a veces creamos que no puede ser abordado desde esa perspectiva, en lo personal, encuentro que hasta ahora, todo tiene un referente gráfico aún por más distante que parezca.
Si bien todo comenzó como una revista, el plus que la destaca es que se ha convertido en todo un hito, que hoy produce libros, revistas, eventos, moda, etc..., en torno de un contenido que día tras día gana más adeptos.
Recomiendo una visita por estos lados, para tener al menos un material de referencia con gran calidad técnica y conceptual.

Con la aplicación de Tradky para Galerías Virtuales de Arte se pueden reconstruir entornos en los que las obras de pintura y escultura pueden recrearse en condiciones similares a las de una exposición de arte real .Nuestras Galerías Virtuales de Arte permiten modificar las exposiciones con rapidez, añadir a las obras de arte expuestas vídeos y otros elementos multimedia que expliquen su historia o ejecución e incorporar obras de arte tridimensionales que pueden interactuar con los visitantes. Todo ello sobre una plataforma en la que visitantes y expositores pueden relacionarse y participar de una red social común. Nuestra aplicación para Galerías de Arte tiene múltiples funciones adicionales, como sonidos editables online o tienda virtual personalizable.

arte conceptual urbano

Este sitio está lleno de recursos visuales, es ideal para alguien que se dedique a la ilustración, al arte urbano, al diseño de motivos para tatuajes, etc...
La variedad temática es amplia, y el espectro de imágenes y categorías es consecuente con la idea de sus creadores, por expandir una cultura que cada día gana mas y mas adeptos de manera global.
La creatividad parece imparable cuando de establecer estilos se trata, y aunque todo está en blanco y negro, es sin luga
Al hablar de trabajo voluntario, es poco común incluir un acercamiento desde el trabajo artístico, en parte por que en general el trabajo social aborda temas urgentes relacionados con estándares de calidad de vida que responden a necesidades de tipo sociales derivadas de una lógica del desarrollo, que mira las desigualdades solo como una problema de exclusión económica, y que muchas veces deja de lado peculiaridades culturales inherentes a cada comunidad y su cultura.
Si es verdad que la falta de recursos limitan el desarrollo integral de un pueblo, también es necesario reconocer que la conformación del patrimonio cultural y artístico no puede ser medido en relación a los mismos estándares económicos.
Por ello, en nuestro país, el papel que jóvenes artistas, científicos y comunicadores sociales ha tenido frecuentemente un matiz de voluntariado, ya que no es raro encontrar experiencias de trabajo comunitario alimentadas principalmente por la fuerza de voluntad de sus promotores, quienes rara vez encuentran el apoyo económico necesario para poner en marcha sus propuestas, y sin embargo generan experiencias de trabajo que cumplen con sus inquietudes profesionales y además producen un impacto positivo en la comunidad.r a dudas un sitio obligado de referencia para el lenguaje visual.

De formación multidisciplinar, Alberto Campos, artista consolidado, ha experimentado con multitud de materiales y estilos a o largo se su carrera profesonal.Desde sus orígenes, la búsqueda del soporte ideal para su propuesta le lleva a trabajar principalmente con madera, cera, piedra y hierro en el terreno de la escultura, y con óleo, acuarela, acrílico, esmalte y técnicas mixtas en lo pictórico.También adquiere gran experiencia en el grabado, punta seca, aguafuerte y monotipos. Hace incursiones en la escenografía, creación de espectáculos audiovisuales, ilustraciones y diseño gráfico. Actualmente se centra principalmente en la escultura, siendo el hierro y la piedra los soportes principales.

Maria veronica león

Ella trabajaba junto al maestro Oswaldo Guayasamín, en su taller, unos enormes paneles murales que servirían para la Capilla del Hombre. Cuando logró descender me extendió una mano embadurnada de acrílicos que yo apreté gustoso. El viejo zorro la miraba emocionado. María Verónica poseía la chispa de la juventud y esos ojos ávidos, ansiosos, capaces de absorberlo todo.
Luego surcamos las noches de Quito y sus bares secretos. Hubo otros encuentros. Ella fue invitada a exponer en el Museo de Arte Moderno y presentó una enorme y chocante vagina ensangrentada, hecha de no sé qué materiales. Se salvó de la inocente ira de los isleños y se refugió en París.
Allí fui a visitarla. Su buhardilla no había de tener más de cuatro metros cuadrados. De las cortinas del baño colgaban lienzos en proceso de secado. A veces pinta retratos, y ciudades inhóspitas sacudidas volcanes, huracanes y temblores. Ella se arroja desnuda sobre el suelo y pinta con una pasión desbordada, cautivante, incontenible.

Más aún, su fecundidad pictórica sorprende positivamente, porque viajando mucho al exterior -y exponiendo- pasa largas temporadas en Santo Domingo y presenta muestras individuales sustanciosas que revelan un proceso constante de investigación.
A veces se quisiera que Fernando Ureña se detuviera y conservara determinada imagen. Pero si no la abandona y varía son un mismo tema, ya está en una nueva búsqueda que pronto concluye o continúa, propiciando una extensa colección de sus telas. Un ejemplo de ésta opción puede observarse en los dos grandes salones laterales de la Casa de Bastidas, los mejores por recibir abundante luz diurna. La exposición, auspiciada por el Voluntariado del Museo de las Casas Reales, se llama Crisálidas.
De hecho, las Crisálidas son un canto formal, espacial y cromático a la vida y al amor. Ambos están ligados desde los tiempos remotos de la mitología griega: Eros, entre los dioses y los hombres, era una fuerza del universo, aseguraba la continuidad de la vida, expandía abundancia y fertilidad en la tierra.

Oswaldo Guayasamín

Creo que la fuerza del movimiento y la firmeza de las líneas de tu dibujo son los elementos dominantes de tu pintura. Me gustan mucho las obras que has presentado en el Museo Guayasamín, aquí en Quito.
Pienso que tu trabajo con el color revela maestría en las técnicas , pero además revela un conocimiento sólido y un apreciable manejo de la temática. El resultado es una pintura enérgica, viva, estimulante de gran riqueza cromática. Noto que sobresale siempre la presencia, el olor de América, aunque las técnicas tengan mucha influencia de las escuelas europeas. Tu obra no contradice el aura mágica de los sueños que logras de manera admirable, madura y trascendente.
He observado que tus telas atraen hacia el eje central del cuadro, hacia un punto de gravitación y nos llevan, como debe ser, a ese mundo único y particular que el verdadero artista debe crear. Es posible algo más de drama, pienso, algo más de sufrimiento o de dolor humano, pero la pasión está ahí, y eso de por sí tiene mucha fuerza.
Puede ser que tus antecedentes de escultor te lleven a rehacer la superficie de la tela, trabajándola con el material pictórico como si se tratara de una escultura. Eso no es malo. Al contrario, le da a tu obra una densidad y una calidad corpórea que no es siempre fácil de conseguir.

oswaldo viteri

La propuesta fue rastrear a fondo en el mundo de Oswaldo Viteri (Ambato, 1931). Azar y reto. La obra de Viteri me había replegado a superponerla de conceptos, a mudarla o reducirla a travesuras irreverentes de mis pensamientos.
Ella fue cada día más drástica con la interacción humana que iba suscitando en mí. A ratos pasé a pertenecerle y, como es evidente, a soportar su opresión, como si se tratara de pagar el tributo ­o el castigo­ de conocerla en sus meandros más ocultos, esos que subyacen detrás del lenguaje pictórico cuando éste oscila en la raíz de lo excepcional y la eminencia. Creo que esto sobrevino porque la obra de Viteri es materia eterna en cuanto interpelación asombrosa de una realidad que es común a todos, y porque, eLa niñez, esa distancia

Un encumbrado graderío lleva a la planta de la casa donde nació Viteri. La casa está enclavada en el centro de Ambato y parece un colmenar por la profusión de ventanas. Apenas repeché las gradas, descubrí una gran mampara de vidrio. Estoy en el umbral de la infancia del artista. (Su madre, María Elena Paredes Borja, me había referido que él apenas salía de este espacio). Explico a la nueva propietaria ­una anciana artrítica de rostro bíblico atada a una silla de ruedas­ la causa de mi visita. Con su consentimiento, empiezo a huronear los sitios que atestiguaron los escarceos iniciales de la tiránica voluntad creadora de Viteri.
specialmente en sus ensambles, no admite posturas medias.

Disculpen de este tema pero quisiera dedicarle un pequeño omenaje al rey del pop.

BiografíaMichael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 - Los Ángeles, 25 de junio de 2009), conocido simplemente como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música hard rock, rhythm & blues (soul y funk), disco y dance. Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran éxito en compañía de sus hermanos, The Jackson Five, en la década de los años ochenta se convierte en la superestrella de rock más exitosa a nivel mundial, el nuevo rey de la música rock, debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música.Denominado como "King of pop, rock and soul", por la actriz estadounidense Elizabeth Taylor, esta denominación hace referencia a que Jackson era el "rey del pop", y también que era el "rey de la música rock" y el "rey de la música soul". De modo similar, el cantante ha sido denominado como "King of entertainment" ("rey del entretenimiento") por la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que éste le concediese en febrero de 1993, y además, la Enciclopedia Británica incluye a Michael Jackson, como notable estrella de rock, en su sección "rock music", junto a Madonna y Prince.A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música de Michael Jackson ha ido modernizándose y evolucionando, especialmente desde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilos músicales soul o funk que interpreta, específicamente en la fusión de soul o funk con disco ("Billie Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance ("Bad" o "Smooth criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta última fusión se llama new jack swing.Pero también incursiona en el rock and roll duro, a través de sus innovadoras canciones de hard rock como "Beat it"(1982), "Dirty Diana"(1987), "Black or white"(1991), "Give in to me"(1991), "D.S."(1995), "Morphine"(1997) y "Privacy"(2001), en las que han tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y Slash.Jackson fue catalogado como un genio musical y artístico, y esto lo demostró desde sus inicios, época en la que fue reconocido como un niño con un nivel artístico realmente extraordinario.

ARTISTA PLASTICO DE ARTE

“De regreso de sus estudios en “San Fernando”, plega, en Guayaquil, al movimiento expresionista de su generación y libera a su escultura de empaque neoclásico y le da en unos casos fuerza y en otros sensualidad. De fina sensualidad es “Tagua negra”, presentaba en el Segundo Salón Nacional de Bellas Artes de Quito (1946) que, a juicio de un crítico del tiempo, fue lo mejor del Salón. “Era una figura de mujer, de pequeño tamaño, en la que Palacio aprovechó muy bien la calidad y hermosura del material y construyó una figura femenina dotada de una gran animación interior. Era una figura vibrante, llena de vida. Era una bellísima escultura. El crítico rechazaba opiniones en el sentido de que era “muy decorativa y se acercaba mucho al bibelot y afirmaba:

Sostengo que la escultura de Alfredo Palacio fue lo mejor del Segundo Salón de Bellas Artes (Jorge I. Guerrero). Los mejores desnudos de este momento captaron la morbidez de la mujer tropical.Escultor de aliento, trabajó en los años siguientes escultura monumental pública. Suyas son algunas de las obras más importantes y de más seguro gusto y sentido escultórico de Guayaquil. Entre los grupos se destaca el dedicado a Eloy Alfaro sostenido e impulsado por vigorosa masa humana. Entre los bustos y cabezas, tiene especial nobleza y reciedumbre la cabeza de Montalvo, situada en el pequeño parque dedicado al prosista ambateño en Guayaquil.