arte visual

Hace mucho tiempo en una galaxia muy lejana, la galaxia de la cultura visual - hará 10 años en nuestro calendario terrenal - surgió un producto de excelente factura, originario de España.
He tenido la oportunidad de poder hojear algunos de sus ejemplares, y cada vez que los encuentro mas interesantes.
No sólo es la apología a un contenido visual, sino que además es todo un paradigma que ha creado ruptura con la manera tradicional de ver y sentir las cosas.
Cada número es temático, y aunque a veces creamos que no puede ser abordado desde esa perspectiva, en lo personal, encuentro que hasta ahora, todo tiene un referente gráfico aún por más distante que parezca.
Si bien todo comenzó como una revista, el plus que la destaca es que se ha convertido en todo un hito, que hoy produce libros, revistas, eventos, moda, etc..., en torno de un contenido que día tras día gana más adeptos.
Recomiendo una visita por estos lados, para tener al menos un material de referencia con gran calidad técnica y conceptual.

Con la aplicación de Tradky para Galerías Virtuales de Arte se pueden reconstruir entornos en los que las obras de pintura y escultura pueden recrearse en condiciones similares a las de una exposición de arte real .Nuestras Galerías Virtuales de Arte permiten modificar las exposiciones con rapidez, añadir a las obras de arte expuestas vídeos y otros elementos multimedia que expliquen su historia o ejecución e incorporar obras de arte tridimensionales que pueden interactuar con los visitantes. Todo ello sobre una plataforma en la que visitantes y expositores pueden relacionarse y participar de una red social común. Nuestra aplicación para Galerías de Arte tiene múltiples funciones adicionales, como sonidos editables online o tienda virtual personalizable.

arte conceptual urbano

Este sitio está lleno de recursos visuales, es ideal para alguien que se dedique a la ilustración, al arte urbano, al diseño de motivos para tatuajes, etc...
La variedad temática es amplia, y el espectro de imágenes y categorías es consecuente con la idea de sus creadores, por expandir una cultura que cada día gana mas y mas adeptos de manera global.
La creatividad parece imparable cuando de establecer estilos se trata, y aunque todo está en blanco y negro, es sin luga
Al hablar de trabajo voluntario, es poco común incluir un acercamiento desde el trabajo artístico, en parte por que en general el trabajo social aborda temas urgentes relacionados con estándares de calidad de vida que responden a necesidades de tipo sociales derivadas de una lógica del desarrollo, que mira las desigualdades solo como una problema de exclusión económica, y que muchas veces deja de lado peculiaridades culturales inherentes a cada comunidad y su cultura.
Si es verdad que la falta de recursos limitan el desarrollo integral de un pueblo, también es necesario reconocer que la conformación del patrimonio cultural y artístico no puede ser medido en relación a los mismos estándares económicos.
Por ello, en nuestro país, el papel que jóvenes artistas, científicos y comunicadores sociales ha tenido frecuentemente un matiz de voluntariado, ya que no es raro encontrar experiencias de trabajo comunitario alimentadas principalmente por la fuerza de voluntad de sus promotores, quienes rara vez encuentran el apoyo económico necesario para poner en marcha sus propuestas, y sin embargo generan experiencias de trabajo que cumplen con sus inquietudes profesionales y además producen un impacto positivo en la comunidad.r a dudas un sitio obligado de referencia para el lenguaje visual.

De formación multidisciplinar, Alberto Campos, artista consolidado, ha experimentado con multitud de materiales y estilos a o largo se su carrera profesonal.Desde sus orígenes, la búsqueda del soporte ideal para su propuesta le lleva a trabajar principalmente con madera, cera, piedra y hierro en el terreno de la escultura, y con óleo, acuarela, acrílico, esmalte y técnicas mixtas en lo pictórico.También adquiere gran experiencia en el grabado, punta seca, aguafuerte y monotipos. Hace incursiones en la escenografía, creación de espectáculos audiovisuales, ilustraciones y diseño gráfico. Actualmente se centra principalmente en la escultura, siendo el hierro y la piedra los soportes principales.

Maria veronica león

Ella trabajaba junto al maestro Oswaldo Guayasamín, en su taller, unos enormes paneles murales que servirían para la Capilla del Hombre. Cuando logró descender me extendió una mano embadurnada de acrílicos que yo apreté gustoso. El viejo zorro la miraba emocionado. María Verónica poseía la chispa de la juventud y esos ojos ávidos, ansiosos, capaces de absorberlo todo.
Luego surcamos las noches de Quito y sus bares secretos. Hubo otros encuentros. Ella fue invitada a exponer en el Museo de Arte Moderno y presentó una enorme y chocante vagina ensangrentada, hecha de no sé qué materiales. Se salvó de la inocente ira de los isleños y se refugió en París.
Allí fui a visitarla. Su buhardilla no había de tener más de cuatro metros cuadrados. De las cortinas del baño colgaban lienzos en proceso de secado. A veces pinta retratos, y ciudades inhóspitas sacudidas volcanes, huracanes y temblores. Ella se arroja desnuda sobre el suelo y pinta con una pasión desbordada, cautivante, incontenible.

Más aún, su fecundidad pictórica sorprende positivamente, porque viajando mucho al exterior -y exponiendo- pasa largas temporadas en Santo Domingo y presenta muestras individuales sustanciosas que revelan un proceso constante de investigación.
A veces se quisiera que Fernando Ureña se detuviera y conservara determinada imagen. Pero si no la abandona y varía son un mismo tema, ya está en una nueva búsqueda que pronto concluye o continúa, propiciando una extensa colección de sus telas. Un ejemplo de ésta opción puede observarse en los dos grandes salones laterales de la Casa de Bastidas, los mejores por recibir abundante luz diurna. La exposición, auspiciada por el Voluntariado del Museo de las Casas Reales, se llama Crisálidas.
De hecho, las Crisálidas son un canto formal, espacial y cromático a la vida y al amor. Ambos están ligados desde los tiempos remotos de la mitología griega: Eros, entre los dioses y los hombres, era una fuerza del universo, aseguraba la continuidad de la vida, expandía abundancia y fertilidad en la tierra.

Oswaldo Guayasamín

Creo que la fuerza del movimiento y la firmeza de las líneas de tu dibujo son los elementos dominantes de tu pintura. Me gustan mucho las obras que has presentado en el Museo Guayasamín, aquí en Quito.
Pienso que tu trabajo con el color revela maestría en las técnicas , pero además revela un conocimiento sólido y un apreciable manejo de la temática. El resultado es una pintura enérgica, viva, estimulante de gran riqueza cromática. Noto que sobresale siempre la presencia, el olor de América, aunque las técnicas tengan mucha influencia de las escuelas europeas. Tu obra no contradice el aura mágica de los sueños que logras de manera admirable, madura y trascendente.
He observado que tus telas atraen hacia el eje central del cuadro, hacia un punto de gravitación y nos llevan, como debe ser, a ese mundo único y particular que el verdadero artista debe crear. Es posible algo más de drama, pienso, algo más de sufrimiento o de dolor humano, pero la pasión está ahí, y eso de por sí tiene mucha fuerza.
Puede ser que tus antecedentes de escultor te lleven a rehacer la superficie de la tela, trabajándola con el material pictórico como si se tratara de una escultura. Eso no es malo. Al contrario, le da a tu obra una densidad y una calidad corpórea que no es siempre fácil de conseguir.

oswaldo viteri

La propuesta fue rastrear a fondo en el mundo de Oswaldo Viteri (Ambato, 1931). Azar y reto. La obra de Viteri me había replegado a superponerla de conceptos, a mudarla o reducirla a travesuras irreverentes de mis pensamientos.
Ella fue cada día más drástica con la interacción humana que iba suscitando en mí. A ratos pasé a pertenecerle y, como es evidente, a soportar su opresión, como si se tratara de pagar el tributo ­o el castigo­ de conocerla en sus meandros más ocultos, esos que subyacen detrás del lenguaje pictórico cuando éste oscila en la raíz de lo excepcional y la eminencia. Creo que esto sobrevino porque la obra de Viteri es materia eterna en cuanto interpelación asombrosa de una realidad que es común a todos, y porque, eLa niñez, esa distancia

Un encumbrado graderío lleva a la planta de la casa donde nació Viteri. La casa está enclavada en el centro de Ambato y parece un colmenar por la profusión de ventanas. Apenas repeché las gradas, descubrí una gran mampara de vidrio. Estoy en el umbral de la infancia del artista. (Su madre, María Elena Paredes Borja, me había referido que él apenas salía de este espacio). Explico a la nueva propietaria ­una anciana artrítica de rostro bíblico atada a una silla de ruedas­ la causa de mi visita. Con su consentimiento, empiezo a huronear los sitios que atestiguaron los escarceos iniciales de la tiránica voluntad creadora de Viteri.
specialmente en sus ensambles, no admite posturas medias.

Disculpen de este tema pero quisiera dedicarle un pequeño omenaje al rey del pop.

BiografíaMichael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 - Los Ángeles, 25 de junio de 2009), conocido simplemente como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música hard rock, rhythm & blues (soul y funk), disco y dance. Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran éxito en compañía de sus hermanos, The Jackson Five, en la década de los años ochenta se convierte en la superestrella de rock más exitosa a nivel mundial, el nuevo rey de la música rock, debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música.Denominado como "King of pop, rock and soul", por la actriz estadounidense Elizabeth Taylor, esta denominación hace referencia a que Jackson era el "rey del pop", y también que era el "rey de la música rock" y el "rey de la música soul". De modo similar, el cantante ha sido denominado como "King of entertainment" ("rey del entretenimiento") por la popular presentadora de televisión Oprah Winfrey, durante la entrevista que éste le concediese en febrero de 1993, y además, la Enciclopedia Británica incluye a Michael Jackson, como notable estrella de rock, en su sección "rock music", junto a Madonna y Prince.A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música de Michael Jackson ha ido modernizándose y evolucionando, especialmente desde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilos músicales soul o funk que interpreta, específicamente en la fusión de soul o funk con disco ("Billie Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance ("Bad" o "Smooth criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta última fusión se llama new jack swing.Pero también incursiona en el rock and roll duro, a través de sus innovadoras canciones de hard rock como "Beat it"(1982), "Dirty Diana"(1987), "Black or white"(1991), "Give in to me"(1991), "D.S."(1995), "Morphine"(1997) y "Privacy"(2001), en las que han tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y Slash.Jackson fue catalogado como un genio musical y artístico, y esto lo demostró desde sus inicios, época en la que fue reconocido como un niño con un nivel artístico realmente extraordinario.

ARTISTA PLASTICO DE ARTE

“De regreso de sus estudios en “San Fernando”, plega, en Guayaquil, al movimiento expresionista de su generación y libera a su escultura de empaque neoclásico y le da en unos casos fuerza y en otros sensualidad. De fina sensualidad es “Tagua negra”, presentaba en el Segundo Salón Nacional de Bellas Artes de Quito (1946) que, a juicio de un crítico del tiempo, fue lo mejor del Salón. “Era una figura de mujer, de pequeño tamaño, en la que Palacio aprovechó muy bien la calidad y hermosura del material y construyó una figura femenina dotada de una gran animación interior. Era una figura vibrante, llena de vida. Era una bellísima escultura. El crítico rechazaba opiniones en el sentido de que era “muy decorativa y se acercaba mucho al bibelot y afirmaba:

Sostengo que la escultura de Alfredo Palacio fue lo mejor del Segundo Salón de Bellas Artes (Jorge I. Guerrero). Los mejores desnudos de este momento captaron la morbidez de la mujer tropical.Escultor de aliento, trabajó en los años siguientes escultura monumental pública. Suyas son algunas de las obras más importantes y de más seguro gusto y sentido escultórico de Guayaquil. Entre los grupos se destaca el dedicado a Eloy Alfaro sostenido e impulsado por vigorosa masa humana. Entre los bustos y cabezas, tiene especial nobleza y reciedumbre la cabeza de Montalvo, situada en el pequeño parque dedicado al prosista ambateño en Guayaquil.

Son muestras de su trabajos.

"Pongo a su consideración una imagen que será parte de mi próxima exposición, que estará en la Casa de la Cultura Benjamín Carrión. Este cuadro es parte de una serie de obras llamadas Proceso de adaptación, como podrán darse cuenta continúo con el acercamiento del rostro en close up, pero ahora estos rostros tienen otro plano de tensión que provocan al espectador a estructurar significados, discursos o variadas poéticas. Particularmente estas obras que voy a mostrarles hacen una parodia a la manera de como se moldean las individualidades para la homogenización colectiva, bueno juzguen ustedes". Enriquestuardo Álvarez.
"Enriquestuardo, es el pintor de la verdad. Que en su obra no hay, como a veces he leído, visos de informalismo ni, mucho menos realidades escamoteadas. Él pinta la vida y la refleja de un modo total, sirviéndose de un código estético que es, por encima de todo, humano; de un lenguaje capaz de desbordar los estrechos cauces de la mímesis sin romper, ni pretenderlo siquiera, el vaso fascinante de la corporeidad"., señala Francisco Valiñas, español, crítico de arte, respecto de la obra de Álvarez.

El cómic, como muchas manifestaciones artísticas especializadas, ha tenido una historia extraña en Ecuador. José Daniel Santibáñez (dibujante y novelista guayaquileño) cree que “siempre hubo, hay y habrá, mucho talento en el país. El problema empieza cuando uno quiere publicar ese talento. No se puede”.
Una muestra montada en el subsuelo 1 de la Flacso (Pradera y Almagro, en Quito) demuestra con la contundencia de 180 trabajos que la idea de Santibáñez es correcta.La gestión y realización ha sido un trabajo colectivo: la investigación y curaduría partió del grupo Ecuacomix y la organización y montaje fueron coordinados por Gescultura con auspicio del Ministerio de Cultura.La investigación ya venía un poco adelantada desde la primera exposición que hizo Ecuacomix, en noviembre del 2006 en la Alianza Francesa de Quito. Para esa muestra se realizó una convocatoria previa en la que recibieron 80 trabajos de 40 artistas de todo el país.

Siento tanta emoción al crear a mis personajes, y éstos son los responsables de la reflexión de los hombres sobre un mundo inmortal" Olmedo Quimbita

Nuestro sueño es crear un puente entre el público y los artistas, por esta razón queremos hacer de este sitio un lugar para informar y ser informados sobre iniciativas, exhibiciones y nuevos artistas.

Estaríamos encantados de sentirlos y de invitarlos a nuestra galería para admirar lo mejor de la creación artística contemporánea.

El arte, una expresión del alma

Diego García es un joven escultor de 25 años, quien desde muy temprana edad se sintió atraído por este arte, que dice llevar en sus venas.

Su madre, María Álava, recuerda que desde que Diego tenía nueve años le gustaba mucho formar figuras con lo que encontraba, y amaba dibujar. Ella confiesa que no deja de sorprenderse con las creaciones de su hijo, pero dice que las cosas serían más prometedoras si autoridades e instituciones apoyaran y fomentaran este tipo de talentos.

Diego no se dedica de lleno a esta actividad, sólo lo hace cuando tiene pedidos especiales, es entonces cuando emprende su viaje hacia las montañas del Ciento Tres, un pueblo que se encuentra en el cantón Pichincha, a donde va en busca de barro, material con el que da vida a sus ideas.Luego de tener la materia prima suficiente para trabajar, él regresa a su casa, donde con sus manos y sin la ayuda de moldes o máquinas especiales, empieza a darle forma al material.

arte urbana

De ser una propiedad esquinera de cemento sin vida, ubicada en calle Jipijapa de la ciudadela Atahualpa, al sur de Quito, pasó a convertirse en una casa llamativa por su originalidad y colorido. Todas sus paredes están cubiertas de diversos tipos de grafitis.

Omar Puebla, grafitero, la llama la casa modelo, porque allí están plasmados todos los trabajos que realiza el colectivo "El depósito de arte urbano", conformado por 15 grafiteros.

La agrupación se formó a partir de la llegada de una notificación del Municipio de Quito, donde se exigía pintar la fachada de la vivienda de unos de los integrantes. "La boleta de aviso no especifica el color ni la forma en que se deben decorar las edificaciones", señaló Puebla.

Tiene un estilo que da una realidad como podemos ver en la obra da sensacion de que fuera real
La muestra individual tendrá el privilegio de mostrar finos trazos y elementos reunidos en su estilo propio de identidad del artistas Yorqui Llacxaguanga, con un estilo figurativo, abstracto, conceptual expresionista, y las técnicas al óleo, acrílico.El expositor ha publicado sus obras sobre: Costumbres taurinas, ensueños lojanos, voces, expresión vegetal, un grito a tu conciencia, entre gritos y agonías, bajo tu piel, entre otros. las obras tambien estan capasitadas con el fin de el calentamiento globas osea el arbol es un ser humano no a la forestacion

El trabajo mantiene además características conceptuales presentes en casi toda la producción de Brito: los juegos de palabras o el empleo del lenguaje popular apelando a su capacidad de generar doble sentidos, manifestado esto en el título de la serie; el impulso hacia la experimentación y la “invención” de técnicas que potencien los contenidos de las obras, que generen cierta incertidumbre en torno a cómo se lograron los rudimentos manuales empleados que a su vez devienen en un importante -y significante a la vez- gancho de seducción visual (en esta serie ensaya con el pirograbador, las transparencias y las superposiciones); la ambigüedad como premisa de trabajo convertida en herramienta que contribuye a engrosar semánticamente a las obras, en un valor positivo, como si el artista tuviera conciencia del vasto horizonte epistemológico que el ser contemporáneo tiene a su disposición para ser usado productivamente; la incorporación de una permanente reflexión de doble vía: con el arte como una tradición llena de postulados prestos a ser problematizados, y sobre el sentido de la Historia

La serie más reciente de Saidel Brito genera de entrada- una necesidad en el espectador por establecer con precisión los acontecimientos que han congregado a las multitudes retratadas en algunas pinturas, o la significancia particular de los paisajes que otros lienzos reproducen. Paradójicamente ninguna información al respecto es provista permitiendo conservar cierto anonimato en las imágenes por lo menos hasta un careo posterior que de cuenta del contexto histórico y social cubano que ilumina cada cuadro- un anonimato que sin embargo es patentemente familiar en cuanto a las convenciones históricas y mediáticas para representar a las masas.

Esto apuntaría a conectar con las preocupaciones fundamentales del artista aquí planteadas: son historias e imágenes que están vaciadas de contenidos en el tiempo de espacios que ideológicamente se han desvanecido o sobre los cuales aparecen como una especie de fantasmas ideológicos tiene que ver con la fragilidad de la memoria y con el cambio de los signos y la vaciedad de esos signos: geográficos, objetuales, literarios con relación a los hechos históricos, los datos y los rastros dejados en los museos, en la memoria colectiva y en el espacio físico donde ocurrieron

El cine experimental utiliza efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido para hacer sentir emociones, experiencias, sentimientos, con un valor muy estético y muy artístico.
El llamado cine experimental ha sido utilizado más en el contexto de corrientes complejas que comprenden las vanguardias artísticas; cine de agitación de ll 68, el cine de propaganda; el estructuralismo (el cine feminista, el cine Gay) y el underground y contracultuAdemás, se subdivide en el cine corporal que comprendería todas las tendencias de los 60, como el cine del yo, los diarios filmados y el cine underground. El cine estructural comprendería las grandes vanguardias de los 20, el llamado cine estructural de los 60 y otras aproximaciones seriadas o minimalistas, como el letrismo y el cine conceptual.ra.

Autobiografías

Esta creacion de jorge velarde es algo que reencuentras con esa persona es decir como una fotografia yo tube el onor de estar en una de sus esposiciones en La exposición, denominada Autobiografías, fue una recopilación de sus obras desde 1983 . Muchas de ellas salieron de la casa de Velarde o de coleccionistas privados que las prestaron para llevarlas al público.Son autorretratos, escenas de su entorno, del interior de su casa, de su vida, estampas citadinas de Guayaquil, personajes de la calle, gente común que se vuelve protagonista en cada cuadro de Velarde.No tiene en planes ninguna exposición (aunque es posible que este año concrete una en Cuenca o en Asia), pero él no deja el oficio. En su taller, en la planta alta de su casa, en la vía a la costa, se lo encuentra trabajando: con el jean manchado y una camiseta en la que él aparece convertido en bicho mirando a través de una paleta, da forma a nuevas creaciones.

A la carta

“A la carta”, una noche de exhibición de video arte contemporáneo. La selección incluyó obras de artistas que exploran el performance y el arte conceptual, con temas que van desde el retrato y el paisaje, hasta sutiles comentarios políticos y de resignificación de la figura del autor. El espectador recibió un menú de videos, del cual se elegieron al gusto los que serían proyectad El público cobró un rol activo en la selección y combinacion de las obras, ampliando las posibilidades de diálogo entre los distintos trabajos de acuerdo al orden en que el mismo público los solicite."A la carta" permitió un acercamiento a la tradición del video arte desde un lente crítico y contemporáneo, a la vez que se pudo conocer la producción de artistas emergentes de Cuba, Dinamarca, México y EEUU quienes viven actualmente en California y Nueva York”, dice Maria del Carmen Carrión, curadora de la muestra.os.

es uno de los artistas más serios y sólidos de aquellos que incursionan en las tendencias de vanguardia en el Ecuador de hoy. Largos años de tenaz superación lo han empinado a un sitio consistente, firme. En su itinerario creacional, hay etapas en las que predomina el caos en lugar del equilibrio, la pasión en vez de la pureza, la angustia en el sitio de la serenidad, el juego o la causticidad en aquel cuadro en el que se supone iba a erigirse lo severo; pero en todo su trabajo exhibe esa “Bejahun” o exaltación de la vida que revela a un creador genuino. Y hay dos modos para alcanzar esa Bejahu (que, conviene insistir, jamás desaparecerá): una que se desplaza en la superficie de la vida, acatando el sensual estremecimiento de los colores, el juego de las formas, lo simbólico y lo sígnico, en suma, todo cuanto en la naturaleza es vívido y expresivo.

El escritor, nacido en Guayaquil en 1959, se mantiene fiel a su línea temática (misterio, acción, fantasía, ciencia ficción)el libro de santibañez es una combinacion entre la literatura y el comic es un aficionado del comic desde que era pequeño. el libro comic book lo enpeso a mentalizar desde hace tres años , el escritor hace siempre comic policiales y de ciencia ficción dibujo bastante y el libro lo a difrutado haciendolo y en el futuro el escritor a pensado en hacer una nobela grafica no tengo nada mas que decir porque ahora estamos haciendo un trabajo relacionado sobre el trabajo.

Una fuerte tensión emocional sumerge a sus personajes en una atmósfera trágica de luces y sombras que a veces conjugan sarcasmo y dolor.
Si el tiempo y el espacio son la medida del ser humano, la producción artística de Juan Villafuerte (Guayaquil, 1945-Barcelona, 1977) se puede definir en razón inversa a su corta existencia, de apenas 32 años. Porque su obra es tan vasta y admirable que parece el producto de una vida tan larga como fértil.A partir de un marco de referencias tradicional, inevitable por su formación en el Colegio de Bellas Artes de Guayaquil, inicia una búsqueda personal impulsada por su enorme instinto creativo, que lo lleva a experimentar con las diferentes corrientes de su tiempo y a formular su propio lenguaje plástico. De un modo o de otro, es bajo esta tensión como el artista se realiza.

arte conceptual de ironman

realmente la pelicula no es tan espectacular pero se da a conocer de que el arte del dibujo tiene;

Impresionantes los modelos de arte conceptual desarrollados por Phil Saunder, encargado del arte para la película del héroe enlatado, Ironman.
Muy buenos los diseños presentados, que fueron eliminados del guión a mitad de la pre-producción.
Incluso se hicieron dos modelos de arte para trajes stealth como el de abajo a la izquierda y uno para uso submarino como el de abajo a la derecha que se abandonaron por no tener uso durante la película.

pinturas arte conceptual

Entre lo que quiere exponer saidel es que .La serie más reciente de Saidel Brito genera de entrada una necesidad en el espectador por establecer con precisión los acontecimientos que han congregado a las multitudes retratadas en algunas pinturas, o la significancia particular de los paisajes que otros lienzos reproducen. Paradójicamente ninguna información al respecto es provista permitiendo conservar cierto anonimato en las imágenes -por lo menos hasta un careo posterior que dé cuenta del contexto histórico y social cubano que ilumina cada cuadro 1- un anonimato que sin embargo es patentemente familiar en cuanto a las convenciones históricas y mediáticas para representar a las masas.

seidel Brito (arte conceptual)

es genial como el profesor traduce su artecomo en la musica como varios cantantes se expresan el se expresa por medio del pincel, Es eso lo que busca Brito, que el público pueda participar de ese tipo de preguntas, que no haya claridad total en el proceso. Parte de mi interés es que la obra se constituya no solo en una reflexión hacia fuera, sino también en ella misma, hacia dentro. Es una manera de que no solo le hable a la sociedad, al público, sino que también le hable al arte mismo”.

Esa incertidumbre, enigma y tensión también están presenten en su temática. Brito viene trabajando desde hace 15 años el género de la pintura histórica, de la memoria, de los silencios, de las multitudes, del individuo, del uso de la retórica del pueblo, de las singularidades, de la estadística, del rebaño y los conglomerados.

Le interesa dice- la exuberancia del individuo la suya como artista dentro del silencio de la multitud. Una temática que encierra un compromiso ético. “Es una manera de generar política de una manera distinta. Desde una posición en la que no es evidente el lugar del narrador. Yo vivo en un lugar neutral, desde el cual quiero generar cambios, pero no creo que viva en el lugar de la verdad, desconfío de la verdad”.

Trazos que hacen su obra inconfundible, de un arte que pasa la voz, moviliza reflexiones y preguntas. Mientras, Brito sigue trabajando en el gran lienzo grapado sobre la pared de su taller. En una época en que abundan los largos y enigmáticos nombres para las obras de arte, aún no ha definido lo más importante de su más reciente creación: el título.

arte conceptual

Resulta obvio que las prácticas culturales y específicamente el arte muestran cada vez más las fisuras de una realidad social que no ha encontrado formas para realizar aquellos ideales del derecho moderno: libertad, igualdad, fraternida, Ideales que siguen resultando la columna vertebral de cualquier pulsión utópica. Al lado de declaraciones pretenciosas y de supuestas verdades existentes sólo como ideologemas, parece que sigue vigente al menos en intenciones el proyecto estético moderno según el cual el arte está provisto de un poder crítico. Tanto los estudios culturales como la crítica artística, así como buena parte de los relatos curatoriales que pululan por los circuitos globales, indagan o se posicionan en relación con este tópico, desplazándose alrededor de la idea de que la noción de sociedad ya no se dirime tanto en el espacio político como en el debate cultural.
Las prácticas artísticas del presente muchas de ellas inscritas en tradiciones conceptuales, dan fe del renacimiento de lo cultural como el ámbito en el que encuentra fundamentos la realidad política. Todo aquello que articula los proyectos políticos se encuentra amplificado simbólicamente en el arte: la subalternidad, la marginalidad, el caos de la urbe y la reducción de la esfera pública, las trampas de la mundialización, las reivindicaciones identitarias, los ideopaisajes transculturales, las restauraciones comunitarias, los conflictos armados… Todo cuanto visibiliza los sentidos de lo social se acopla a los discursos del arte, que hace tiempo ocupa un espacio de diseminación radical hacia la cotidianidad y el lugar común de la experiencia.